Bisnis.com, JAKARTA — Goenawan Mohamad menghadirkan hubungan baru antara teks dan gambar ketika keduanya tidak lagi bersifat ilustratif, tetapi saling menguatkan dalam membentuk makna.

Refleksi itu terlihat dalam pameran tunggal bertajuk Teks, Gambar, Kitab di Komunitas Salihara Arts Center pada 24 Mei hingga 28 Juni 2026 yang menghadirkan 96 karya grafis.

Dalam karya-karya tersebut, teks tidak berfungsi sebagai penjelas gambar, melainkan hadir sebagai serpihan narasi yang berkelindan dengan visual dan memperkuat makna.

Situasi itu tampak dalam Hantu Atlet (2023). Sosok hantu berwajah legam dengan guratan merah hadir bersama teks tentang kebanggaan semu sebagai juara muay thai yang justru diremehkan.

Pola ini berulang di banyak karya. Drawing tampil seperti halaman dari kitab yang belum selesai, sementara teks hadir sebagai catatan yang tidak selalu terkait langsung.

Selama ini publik memang mengenal GM sebagai penulis Catatan Pinggir. Namun dalam beberapa tahun terakhir, seni rupa berkembang menjadi medium yang semakin dominan dalam praktiknya.

Sejak menekuni seni grafis di Devto Printmaking Institute, Bali, Goenawan Mohamad juga secara konsisten memamerkan karya-karya visualnya.

Pada 2023, dia menggelar pameran Kitab Hewan di Dia.Lo.Gue dan Kitab Hantu di ArtJog. Setahun kemudian, dia menghadirkan Sejauh Ini…… di Galeri Lawangwangi, Bandung.

Dari satu pameran ke pameran lain, publik juga dapat melihat perubahan pendekatan. Drawing, simbol, dan teks pendek semakin menonjol, sementara narasi menjadi lebih terbuka.

Dalam Kitab Hewan, alegori hewan digunakan untuk membicarakan kekuasaan dan kecemasan manusia. Kini, dalam pameran terbaru, pendekatan tersebut bergerak lebih jauh.

Karya seperti Hantu Cabe Rawit (2023) menampilkan figur dengan warna kontras di atas daluang. Teks bernuansa ironi di bawahnya sengaja dibiarkan menggantung.

Sementara Burung Singgah (2022) hanya menghadirkan burung dan rumah kecil. Ruang kosong yang mendominasi bidang gambar juga membuat karya itu menghadirkan kesan sunyi dan liris.

GM mengaku pameran ini bukan direncanakan secara khusus. Karya-karyanya dikumpulkan oleh pihak galeri, dan ia menyebut kemungkinan ini menjadi pameran terakhirnya.

“Saya saat ini juga sudah berumur 85 [tahun], dan untungnya saya jarang menjadi bagian dari acara di Salihara karena memang ada semacam etik. Kami yang mengelola ini tidak boleh terlalu sering tampil,” katanya.

Kurator pameran Asikin Hasan mengatakan teks dan gambar dalam karya GM memang berbagi ruang yang sama, tetapi tidak pernah benar-benar saling menjelaskan.

“GM tidak pernah mengatakan sesuatu itu dengan hal yang kasar, dia bicara pada metafor. Badut itu kan metafora segala hal. Ya politik, ya apa,” ujar Asikin.

Asikin menilai, di tengah perkembangan medium seni yang semakin digital, karya GM tetap mempertahankan jejak personal melalui garis spontan dalam sketsa-sketsanya.

“Dia tidak pernah berhenti menggambar,” imbuhnya

Seniman Tisna Sanjaya melihat karya GM tidak berhenti sebagai ekspresi personal. Dia menilai karya-karya tersebut berkembang menjadi ruang kebudayaan yang lebih luas.

“Dari karya-karya ekspresi personalnya yang sangat personal, metafor, simponik, saya lihat karyanya dilebarkan menjadi peristiwa kebudayaan, menjadi peristiwa kritis terhadap berbagai hal,” ujarnya.

Bisnis.com, JAKARTA — Di tengah dominasi medium digital, pameran terbaru Goenawan Mohamad menegaskan kembali pentingnya drawing sebagai praktik berbasis gestur personal dalam seni rupa.

Pameran bertajuk Teks, Gambar, Kitab yang digelar di Komunitas Salihara Arts Center pada 24 Mei hingga 28 Juni 2026 menghadirkan hampir 100 karya grafis dengan teknik intaglio, cetak saring, hingga litografi.

Kurator Asikin Hasan menilai karya GM masih menyimpan kualitas aura yang lahir dari kedekatan langsung antara tubuh seniman dan karyanya. Garis spontan dan bidang kosong menjadi penanda utama.

“Dia nggak pernah berhenti menggambar,” kata Asikin.

Dalam pandangannya, pendekatan tersebut mengingatkan pada kualitas auratik dalam karya seniman seperti Van Gogh dan Picasso yang kini semakin jarang di tengah praktik seni yang kian mekanis.

Karya seperti Hantu Cabe Rawit (2023) dan Burung Singgah (2022) menunjukkan kecenderungan itu. Figur sederhana dan komposisi minimal justru memperkuat kesan personal dan sunyi.

Isu yang dihadirkan pun meluas, dari politik hingga lingkungan, tetapi disampaikan melalui simbol dan fragmen visual tanpa narasi langsung.

Seniman Tisna Sanjaya melihat praktik tersebut berkembang menjadi ruang kebudayaan yang lebih luas.

“Dari karya-karya ekspresi personalnya yang sangat personal, metafor, simponik, saya lihat karyanya dilebarkan menjadi peristiwa kebudayaan, menjadi peristiwa kritis terhadap berbagai hal,” ujarnya.

Bisnis.com, JAKARTA — Ketelitian dan detail menjadi daya tarik utama pameran The Superlative Artistry of Japan yang digelar Japan Foundation pada 5–25 Mei 2026 di Sakura Hall, Jakarta.

Menghadirkan 38 karya dari 15 seniman lintas generasi, pameran ini menyajikan karya dari era Meiji hingga kontemporer. Medium yang ditampilkan beragam, dari keramik, tekstil, hingga instalasi berbasis objek sehari-hari.

Salah satu sorotan adalah keramik Satsuma dengan permukaan penuh detail menyerupai lukisan miniatur. Visualnya menghadirkan aktivitas keseharian yang digambarkan dengan presisi tinggi dan hanya terlihat jelas dari jarak dekat.

Hadir pula sulaman sutra dengan detail menyerupai lukisan di atas kanvas. Ribuan benang dijahit secara manual hingga membentuk suasana kuil berlatar hutan dengan pepohonan menjulang yang tampak nyaris hidup dari kejauhan.

Kepulauan Jepang yang berada di kawasan empat musim memang memengaruhi perkembangan tekstil dan wastra. Walhasil, para seniman mulai mengembangkan teknik sulam dan pewarnaan yang menghasilkan detail setara lukisan realistis.

Namun, pameran ini tidak hanya memperlihatkan perkembangan visual seni Jepang. Publik juga diajak melihat bagaimana masyarakat Jepang memandang proses berkarya melalui perhatian besar terhadap detail-detail kecil.

Direktur Jenderal Japan Foundation Jakarta, Inami Kazumi, mengatakan pameran ini dirancang untuk memperkenalkan kekayaan ekspresi seni Jepang yang tidak hanya menonjolkan estetika, tetapi juga kualitas pengerjaan.

“Karya yang dihadirkan juga menonjolkan teknik tinggi, ekspresi yang cermat, serta tingkat kesempurnaan yang mampu memberi pengalaman baru bagi pengunjung,” ujarnya.

Simak saja karya Takahiro Iwasaki bertajuk Out of Disorder (2017). Dari kejauhan, karya media campuran itu tampak seperti lanskap hitam putih berupa pegunungan dengan menara pemancar yang berdiri di puncaknya.

Namun saat didekati, bentuk tersebut ternyata berasal dari tumpukan handuk, tali, dan sikat gigi. Benang-benang halus yang ditarik dari handuk membentuk struktur menyerupai menara transmisi dengan detail yang rinci.

Penggunaan warna hitam juga mengingatkan pada tradisi lukisan tinta Jepang yang menggambarkan sansui atau lanskap gunung dan air. Karya ini seakan menghadirkan kritik halus terhadap masyarakat kontemporer dan budaya konsumsi.

Lain lagi Yamaguchi Akira lewat seri cat air Department Store. Lewat pendekatan visual yang rumit, dia menghadirkan lanskap Tokyo fiktif dengan keramaian manusia yang tampak seperti potongan waktu dari berbagai zaman.

Dalam karya tersebut, samurai bersenjata pedang berdiri berdampingan dengan manusia modern di kawasan Nihonbashi. Arak-arakan manusia, jalan raya modern, hingga lanskap kota Edo menyatu secara alami dalam satu bidang gambar.

Detail-detail kecil menjadi kekuatan utama karya Yamaguchi. Bahkan, publik harus memicingkan mata untuk menikmati berbagai adegan kecil yang tersembunyi di dalam lukisannya.

Program Officer Divisi Budaya Japan Foundation, Isma Savitri, menjelaskan filosofi monozukuri menjadi fondasi utama dalam pameran ini.

“Monozukuri bukan hanya membuat benda, tetapi bagaimana detail, proses, dan jiwa seniman hadir di dalamnya,” kata Isma.

Refleksi tersebut juga terlihat pada berbagai karya, termasuk figurin miniatur produksi Kaiyodo. Meski dibuat massal, detail makanan seperti sushi, ramen, dan soba tetap presisi mendekati bentuk asli.

Bisnis.com, JAKARTA — Pameran UNBOUND: Resonating Light menghadirkan pertemuan dua pendekatan artistik yang kontras, memperlihatkan hubungan antara tubuh manusia dan lanskap lingkungan dalam satu ruang yang sama.

Digelar di NODE by ISA Art and Design pada 20 April hingga 24 Mei 2026, pameran ini menampilkan karya Allyson Jeong dan Diane Tuft dengan pendekatan yang berbeda.

Jeong menghadirkan instalasi logam yang berfokus pada tubuh, sentuhan, dan material. Karyanya membentuk pengalaman ruang yang berubah seiring gerak dan sudut pandang, menempatkan pengunjung sebagai bagian dari komposisi.

Sebaliknya, Tuft membawa pengunjung menuju lanskap luas melalui fotografi format besar. Karyanya merekam perubahan lingkungan, menghadirkan visual yang sunyi namun menyimpan ketegangan.

Melalui Synthesis Entropy (2022), Tuft membingkai kenaikan permukaan laut global serta penyusutan Great Salt Lake di Utah. Foto tersebut diambil dari ketinggian, memperlihatkan perubahan dalam skala luas yang kerap luput dari perhatian.

Karya lain, Halo’s Demise, Entropy (2022), menampilkan endapan garam, mineral, dan mikroorganisme di permukaan air yang menyusut. Visualnya menyerupai kerak organik berwarna merah kecokelatan.

Pameran ini tidak hanya menampilkan estetika visual, tetapi juga menghadirkan kesadaran bahwa keindahan dapat muncul dari kondisi alam yang tidak seimbang.

Pendekatan tersebut juga tercermin dalam karya Unbound Adornment I (2024). Instalasi ini menyerupai anting berukuran besar yang digantung di langit-langit, dengan permukaan logam berlekuk yang memantulkan cahaya secara dinamis.

Karya lain, The Square of Sublime (2026), menampilkan dua bingkai baja nirkarat yang saling bersilangan dalam posisi tidak stabil. Teksturnya memperkuat interaksi antara cahaya dan ruang.

Perwakilan ISA Art and Design, Adellard Arreshad, mengatakan karya Jeong mengeksplorasi hubungan organik antara tubuh manusia dan ruang.

“Dalam pameran ini, Jeong melepaskan frekuensi yang sebelumnya terkonsentrasi pada skala tubuh ke dalam ruang arsitektural galeri,” katanya.

Bisnis.com, JAKARTA — Pameran seni rupa bertajuk ARTi Teddy digelar di Nadi Gallery pada 30 April hingga 20 Mei 2026 untuk mengenang perupa kontemporer Indonesia, S. Teddy D.

Pameran ini menghadirkan karya dari 27 seniman yang memiliki kedekatan personal maupun artistik dengan sosok S. Teddy Darmawan.

Melalui instalasi, lukisan, hingga performans, pameran tersebut tidak hanya menjadi ruang penghormatan, tetapi juga pembacaan ulang terhadap gagasan artistik Teddy yang dinilai berpengaruh dalam perkembangan seni rupa kontemporer Indonesia, khususnya di Yogyakarta.

Nama Teddy dikenal sebagai seniman yang konsisten menembus batas medium dan menghadirkan humor, kritik, hingga sarkasme dalam karya-karyanya.

Salah satu karya yang mencuri perhatian adalah instalasi Senandung S. Teddy D. (2026) karya Handiwirman Saputra. Instalasi setinggi 177 sentimeter itu dibuat dari serbuk pasir, serbuk bata merah, ban sepeda, dan besi, dengan bentuk menyerupai roda yang seolah tidak bergerak.

Kurator pameran, Wahyudin, menjelaskan karya tersebut berangkat dari kolaborasi Handiwirman dan Teddy pada dekade 2000-an dalam proyek Show Me the Way to the Next Bridge.

“Jadi dulu Handiwirman dan Teddy pernah membuat karya jembatan, ada rodanya. Semacam kolaborasi. Tapi rekognisinya itu karya Teddy,” katanya.

Menurut Wahyudin, ARTi Teddy bukan sekadar pameran memorial biasa. Dia menilai pengaruh Teddy masih hidup melalui jejaring gagasan dan praktik artistik lintas generasi yang kini diteruskan banyak seniman muda maupun senior.

Sejumlah seniman kemudian merespons karya-karya Teddy melalui pendekatan apropriasi. Asmudjo J. Irianto menghadirkan patung Viva La Muerta (2026), yang terinspirasi dari instalasi Teddy pada era 2000-an, sementara Iwan Effendi mengolah ulang karya tersebut ke dalam medium kanvas dengan tambahan ikon boneka sebagai simbol baru.

Sementara itu, Mella Jaarsma menghadirkan lima seri karya AfterTeddy's House/Head (2026). Pendiri Cemeti Institute itu mengenang Teddy sebagai sosok yang sejak muda sudah memilih jalur berbeda dalam berkarya.

“Aku lupa pertama kali melihat karya Teddy di mana. Yang menariknya, dia selalu mencari di luar perbatasan,” ujar Mella. Dia menilai Teddy menjadikan printmaking bukan hanya medium artistik, tetapi cara untuk membebaskan diri dari konvensi seni lukis.

Seniman Uji Hahan Handoko atau Hahan juga mengenang Teddy lewat karya media campuran yang memanfaatkan tangkapan layar Instagram milik Teddy. Dalam karya tersebut, Hahan sekaligus mengkritik minimnya sistem pengarsipan seni rupa modern dan kontemporer di Indonesia.

“Padahal Mas Teddy baru 10 tahun meninggal, lantas bagaimana dengan seniman sebelumnya?” kata Hahan. Dia menyebut banyak capaian seniman Indonesia justru terdokumentasi di museum luar negeri dibanding institusi di dalam negeri sendiri.

Selain instalasi dan lukisan, performans dari Tisna Sanjaya menjadi salah satu magnet utama pembukaan pameran ARTi Teddy. Selama hampir tujuh menit, Tisna menampilkan aksi mencuci kaos dan mengepel lantai melalui karya Cleaning Service & Laundry (2026).

Menurut Tisna, aksi tersebut merupakan metafora tentang sejarah dan figur yang bisa “dicuci” secara simbolik. “Mesin cuci ini juga bisa menjadi metafora seolah-olah dosa-dosa itu sudah dicuci bersih ketika seseorang dijadikan pahlawan. Padahal sejarahnya tidak sesederhana itu,” katanya.

Bisnis.com, JAKARTA — Pameran seni Art Jakarta Gardens resmi dibuka pada Selasa (5/5/2026). Mengusung konsep ruang terbuka, ajang yang berlangsung di Hutan Kota by Plataran, Jakarta Pusat, ini akan digelar selama lima hari penuh hingga Minggu (10/5/2026).

Selama pameran berlangsung, pengunjung dapat menjelajahi perpaduan karya dari para seniman ternama yang dikemas dalam konsep sculpture garden. Sejumlah patung dengan berbagai bentuk dan ukuran akan ditempatkan di area taman terbuka, sehingga menghadirkan pengalaman menikmati seni di luar ruang yang terasa lebih hidup dan imersif.

Segmen Sculpture Garden akan menampilkan lebih dari 30 karya patung dari seluruh peserta galeri. Mayoritas karya patung merupakan karya seniman Indonesia, di antaranya Sunaryo, Nyoman Nuarta, Tisna Sanjaya, Arkiv Vilmansa, Adi Gunawan, Redy Rahadian, Naufal Abshar, dan masih banyak lagi.

Tak hanya itu, beragam instalasi serta karya seni dua dimensi juga dapat dinikmati. Karya-karya lainnya turut dipamerkan di tenda-tenda galeri, yang makin memperkaya pilihan eksplorasi bagi pengunjung.

Menteri Kebudayaan Fadli Zon mengapresiasi gelaran Art Jakarta Gardens 2026. Menurutnya, pameran seni rupa dengan konsep yang digelar di ruang terbuka kota merupakan bentuk aktivasi ruang publik yang sangat baik, sekaligus menghadirkan pengalaman artistik yang autentik bagi masyarakat.

Menurutnya, pemanfaatan ruang yang optimal serta keterlibatan 26 galeri dalam pameran ini menunjukkan geliat positif ekosistem seni rupa nasional. Karya-karya yang ditampilkan, mulai dari lukisan, patung, hingga instalasi seni, dinilai memiliki pencapaian artistik yang tinggi dan tidak kalah dengan karya-karya dari negara lain.

"Kegiatan seperti ini menunjukkan bagaimana kebudayaan terus hidup dan berkembang," kata Fadli Zon dalam pembukaan Art Jakarta Gardens 2026 di Jakarta, Selasa, (5/5/2026).

Fadli menyebut kegiatan seperti ini tidak hanya menghidupkan ekonomi budaya dan ekonomi kreatif, tetapi juga berperan penting dalam memberikan edukasi kepada masyarakat. Apresiasi terhadap ekspresi budaya dinilai sebagai fondasi penting dalam membangun ekosistem seni yang berkelanjutan di Indonesia.

Dia berharap gelaran pekan seni semakin banyak di Indonesia. Sebab, dirinya menilai seniman-seniman Indonesia punya potensi yang besar untuk berkembang, tidak hanya tampil di panggung nasional, tetapi juga internasional.

Padahal, katanya, secara fondasi kesenian Indonesia telah diberkahi potensi yang besar, dengan lebih dari 1.300 kelompok etnis, 718 bahasa, lebih dari 17.000 pulau, dan populasi yang sangat besar.

"Keberagaman ini menjadi sumber inspirasi yang tidak terbatas bagi para pelaku kreatif. Oleh karena itu, kita perlu terus menghadirkan ekspresi artistik yang inovatif agar apresiasi masyarakat terhadap seni semakin meningkat," imbuhnya.

Selain itu, melalui penyelenggaraan pekan seni seperti ini, dia berharap pertumbuhan juga terjadi di kalangan kolektor, termasuk dari generasi Z yang kini mulai menunjukkan minat untuk mengoleksi karya seni.

Sementara itu, Wakil Menteri Ekonomi Kreatif Republik Indonesia Irene Umar menyebut Art Jakarta Gardens tak hanya pameran seni, tetapi juga ruang kolaborasi yang menarik. Tak sedikit karya komisi seniman dengan brand hadir, tetapi tetap punya nilai artistik yang tinggi.

Menurutnya, ini adalah cermin yang menarik dalam membangun Indonesia ke depan. Sebab, apa pun ranah yang dikembangkan, termasuk teknologi, selalu terhubung dengan dunia seni dan budaya.

"Hal ini karena pada dasarnya Indonesia memiliki fondasi sosial dan budaya yang kuat," imbuhnya.

Tahun ini, Art Jakarta Gardens diikuti oleh 26 Galeri dari dalam dan luar negeri. Selain sebagai ajang pameran, pekan seni ini juga memiliki sejumlah program hiburan lain, termasuk acara musik yang dihadirkan oleh Bakti Budaya Djarum Foundation dan dikurasi oleh Plainsong Live.

Sejumlah musisi Tanah Air seperti Ali, The Cottons, Jo Soegono, BABON, Klav, Klegoth Breaks, Batavia Collective, Basajan, hingga Pelteras turut meramaikan panggung dengan ragam warna musikal yang menghidupkan suasana taman.

Selain suguhan musik, program publik juga menampilkan berbagai karya performance art. Program publik ini juga dilengkapi dengan sesi diskusi yang membuka ruang pertukaran antara komunitas seni, pelaku kreatif, dan publik, serta program tur terpadu yang memberikan pengalaman apresiasi karya bersama kurator profesional.

Bagi yang tertarik melihat karya-karya apik di Art Jakarta Gardens 2026, pengunjung dapat membeli tiket seharga Rp150.000.

Bisnis.com, JAKARTA — Lonjakan aktivitas pameran seni rupa pada awal 2026 belum diikuti kenaikan harga karya di pasar primer, meski frekuensi eksibisi dan partisipasi publik terus meningkat.

Sejumlah agenda besar seperti Art Jakarta Papers pada Februari dan Art Jakarta Gardens yang dijadwalkan awal Mei 2026 menandai tingginya intensitas kegiatan seni rupa dalam beberapa bulan terakhir.

Namun, peningkatan tersebut belum berbanding lurus dengan pergerakan harga karya. Direktur Artistik Art Jakarta Enin Supriyanto menyebut stagnasi harga telah berlangsung dalam satu dekade terakhir.

“Fluktuasinya itu 10 tahun terakhir, harga karyanya segitu saja sebenarnya,” ujarnya.

Menurut Enin, kemampuan daya beli domestik masih menjadi faktor utama dalam pembentukan harga karya seni di dalam negeri.

“Jadi kemampuan ekonomi rata-rata di negara itulah yang menentukan,” katanya.

Data Kementerian Pariwisata dan Ekonomi Kreatif mencatat sektor ekonomi kreatif tumbuh 5,69% pada 2025 dengan nilai mencapai US$12,89 miliar.

Meski berkontribusi besar, subsektor seni rupa masih menghadapi tantangan dalam pembentukan pasar yang solid.

Masuknya kolektor baru, termasuk dari kalangan muda, dinilai juga belum cukup kuat mendorong kenaikan harga karya secara signifikan.

Sebagai respons, pemerintah mulai mendorong penetrasi seniman dan galeri ke pasar internasional untuk membuka akses ekonomi baru.

Salah satu langkah dilakukan melalui partisipasi dalam program Rising Currents di Art Central Hong Kong pada Maret 2026.

Menteri Kebudayaan Fadli Zon mengatakan pemilihan Hong Kong didasarkan pada posisinya sebagai salah satu pusat seni kontemporer di Asia.

“Upaya ini juga untuk membangun ekosistem budaya yang memungkinkan talenta seni rupa Indonesia tumbuh berkelanjutan, menjalin jejaring, dan beresonansi dalam lanskap seni kontemporer dunia,” ujarnya.

Sebanyak delapan galeri terlibat dalam program tersebut, termasuk Sewu Satu dari Jakarta yang membawa karya Adi Sundoro dan Muhammad Akbar dengan tema isu sosial kontemporer.

Co-Founder dan Program Director dari Sewu Satu, Raihan Prabowo, mengatakan partisipasi dalam ajang internasional tidak semata berorientasi pada transaksi, tetapi juga membuka peluang kolaborasi.

“Aku juga masih agak shock. Sebab seniman yang dipilih itu sangat vokal dan mengkritik rezim,” ujarnya.

Dia menambahkan, respons audiens di Hong Kong menunjukkan karakter pasar yang berbeda, dengan perhatian tidak hanya pada aspek visual, tetapi juga narasi karya.

“Mereka bukan sekadar tanya harga, tapi tanya lebih dalam soal konteks,” katanya.

Meski penjualan terbatas, Raihan menilai akses terhadap proyek dan jejaring menjadi nilai strategis dalam jangka panjang bagi galeri.

Bisnis.com, JAKARTA — Program inkubasi seni Atreyu Moniaga Project (AMP) kembali menghadirkan pameran baru hasil program AMP #13 bertajuk Mixed Feeling: “AARO” pada 18 April sampai 11 Mei 2026, di CAN’S Gallery, Jakarta Pusat.

AMP merupakan inisiatif independen yang berfokus pada pengembangan seniman muda di Jakarta. Diinisiasi seniman Atreyu Moniaga program ini menggabungkan pelatihan teknis dengan pengalaman langsung dalam produksi dan manajemen proyek kreatif.

Pameran "AARO" menjadi puncak dari program AMP #13 sejak September 2024. Empat seniman yang terlibat, adalah Ada Khansa, Ann Martin, Red Mecca, dan Oddyendy menampilkan lebih dari 40 karya sebagai hasil proses inkubasi tersebut.

Nama “AARO” diambil dari inisial keempat seniman. Istilah ini juga dimaknai sebagai gunung yang menjulang, mencerminkan harapan atas fondasi kuat dalam perjalanan artistik mereka ke depan.

Karya-karya yang ditampilkan merefleksikan perkembangan praktik masing-masing seniman. Pendekatan yang dihadirkan tidak seragam, tetapi menunjukkan benang merah berupa eksplorasi pengalaman personal dan respons terhadap lingkungan sekitar.

Ada Khansa, misalnya, menghadirkan seri “Sandbox” yang terdiri dari 10 karya. Seri ini berangkat dari pengalaman batin yang terus berubah dan menjadi dasar eksplorasi visualnya.

Sementara itu, Ann Martin dan Red Mecca mengangkat keterkaitan antara fenomena sosial dengan praktik artistik. Di sisi lain, Oddyendy melalui seri “Tungkil” menyoroti proses penerimaan masa lalu sebagai bagian dari perjalanan kreatif.

Tidak berhenti pada produksi karya, program ini juga menempatkan peserta dalam situasi kerja nyata. Keempat seniman terlibat langsung dalam pengelolaan pameran, mulai dari perancangan publikasi, pengarsipan, hingga koordinasi produksi dan jejaring.

Penggagas AMP, Atreyu Moniaga, menilai pengalaman tersebut menjadi bagian penting dalam membentuk ketahanan seniman.

“Sering kali kita menganggap menjadi seniman adalah sesuatu yang glamor dan menyenangkan. Padahal, di balik itu ada sisi yang menuntut ketahanan, kerja keras, dan komitmen tinggi,” ujarnya saat konferensi pers di Jakarta, Jumat (17/4/2026).

Direktur CAN’S Gallery Inge Santoso mengatakan pihaknya melihat potensi kuat dari para seniman AMP #13, baik dari sisi konsep maupun konsistensi selama inkubasi. Da menilai kehadiran kelompok ini sebagai sesuatu yang menarik karena menunjukkan kekompakan dan perkembangan yang terarah sejak awal.

“Kami memang cukup selektif dalam memilih seniman yang berpameran. Tapi melihat proses dan komitmen mereka, kami ingin memberi ruang agar mereka bisa berkembang lebih jauh,” ujarnya.

Bisnis.com, JAKARTA - Patung seekor naga yang bertarung dengan seorang anak kecil langsung menyita perhatian pengunjung. Tubuh naga itu menembus punggung hingga dada sang bocah, sementara keduanya saling mencengkeram dalam ketegangan yang terasa dramatis.

Sorot mata si anak memancarkan kemarahan yang intens. Tatapannya lurus ke depan, sementara tubuh naga meliuk seolah menahan rasa sakit. Karya ini berjudul Fearless, patung garapan Andre Tanama yang tampil mencolok dalam pameran The Stage.

Berdimensi 140 x 145 x 85 cm, karya ini menjadi salah satu pusat perhatian dalam pameran yang berlangsung di K Mall, Jakarta, pada 18 Maret hingga 12 April 2026. Pameran tersebut menghadirkan puluhan karya dari perupa kontemporer Indonesia dan mancanegara.

The Stage merupakan kolaborasi dari ketuga galeri kontemporer di Jakarta, yakni Sankhara, Meiro Gallery, dan Kendy’s Gallery. Sebanyak 39 patung dan lukisan dari 10 seniman dipamerkan dalam ruang yang sama.

Figur anak dalam karya Fearless bernama Agathos. Karakter ini lahir dari refleksi Andre terhadap sosok lamanya, Gwen Silent, yang selama ini identik dengan ketenangan dan spiritualitas.

Berbeda dari Gwen, Agathos tampil jauh lebih agresif. Matanya diperbesar dengan intensitas emosi yang kuat. Telinganya memanjang ke atas, sementara wajahnya tetap tanpa mulut.

“Agathos lahir dari kesadaran bahwa saya tidak sepenuhnya seperti Gwen. Saya juga memiliki sisi agresif dan emosional sebagai manusia,” ujar Andre.

Proses penciptaan figur ini berangkat dari hal yang sangat personal. Andre menggunakan foto dirinya saat kecil sebagai dasar, kemudian mengolahnya secara digital sebelum diwujudkan dalam bentuk tiga dimensi.

Dalam pendekatan visualnya, distorsi menjadi bahasa utama. Mata yang diperbesar menegaskan intensitas emosi. Ketiadaan mulut menjadi simbol reaksi spontan yang tidak sempat terucap.

“Telinga yang dipanjangkan itu simbol dari sifat mendengar tanpa menyaring. Emosi bisa langsung meledak tanpa diproses,” jelasnya.

Salah satu seri karya Agathos (kiri) dalam pameran The Stage, di K Mall Jakarta/Bisnis.Prasetyo Agung Ginanjar

Kehadiran naga yang menembus tubuh Agathos menjadi elemen paling kuat dalam karya ini. Sosok tersebut bukan sekadar ornamen visual, tetapi metafora energi yang muncul dari dalam diri. Ia menghadirkan dua sisi yang saling berlawanan dalam satu tubuh.

Di bagian lain pameran, pengunjung akan menemukan patung perempuan bertubuh gempal karya Adi Gunawan. Patung berjudul The Mondrian Lady itu menampilkan sosok perempuan yang berbaring santai dengan lengan sebagai bantal.

Warna warna kontras membalut tubuh figur tersebut. Inspirasi visualnya datang dari lukisan geometris khas Piet Mondrian. Garis hitam dan blok warna primer disusun dalam komposisi yang kuat.

Menurut Adi, karakter perempuan itu merupakan reinterpretasi jenaka dari figur Monalisa. Melalui karya ini ia menantang pandangan bahwa perempuan cantik harus selalu bertubuh ramping.

“Mondrian itu menarik bagi saya. Warna primer kotak kotak itu kemudian saya kombinasikan dengan karakter dalam karya saya,” kata Adi.

Dalam sejumlah karya lainnya, Adi juga memadukan figur perempuan dengan simbol binatang. Imaji tersebut berasal dari ingatan masa kecil yang kemudian diolah menjadi bentuk babi, anjing, kucing, hingga kuda.

Salah satunya tampak pada karya Kejar Daku Kau Kugigit. Patung ini menampilkan tiga perempuan bertubuh besar yang berlari dikejar seekor anjing bulldog dalam adegan yang komikal.

Patung Kejar Dau Kau Kugigit karya Adi Gunawan dalam pameran The Stage, di K Mall Jakarta/Bisnis.Prasetyo Agung Ginanjar

Nuansa kultur pop juga terasa kuat dalam pameran ini. Beberapa seniman meminjam ikon global lalu menafsirkannya kembali melalui bahasa visual mereka.

Arkiv Vilmansa, misalnya, menghadirkan karya Mickiv Hope Golden Age yang terinspirasi dari karakter Mickey Mouse. Figur tersebut dimodifikasi dengan kepala lebih bulat dan telinga lebih lebar.

Tokoh Mickiv tetap mengenakan sarung tangan, celana pendek, dan sepatu. Dia ditampilkan dalam berbagai pose, mulai dari berdiri hingga berbaring.

Ada pula karya Chicken Coki XXL yang berukuran besar. Patung ini menampilkan figur antropomorfis antara ayam jago dan manusia yang mengingatkan pada maskot restoran cepat saji.

Sementara itu seniman Ndikol mengolah ulang karakter Astro Boy dalam karya seperti Heart Rebellion Color XL. Figur tersebut tampil dengan bandana seolah tengah bersiap untuk berdemonstrasi.

Simbol bandana juga muncul dalam karya Bandanas #1 Mix Media. Di dalamnya hadir figur seperti The Simpsons dan Richie Rich dengan ekspresi yang konfrontatif.

Founder Meiro Gallery Kenny Yustana mengatakan pameran ini menandai langkah penting dalam upaya membawa seni lebih dekat dengan publik. Untuk pertama kalinya galeri tersebut menghadirkan pameran yang sepenuhnya terkurasi di dalam ruang mal.

Menurutnya The Stage bukan sekadar pameran. Ruang ini dirancang sebagai panggung bagi seniman untuk memperlihatkan karya mereka kepada publik yang lebih luas.

“Ini adalah ruang bagi seniman untuk tampil lebih terang dan disaksikan lebih dekat oleh publik,” ujarnya

Bisnis.com, JAKARTA - Memasuki D Gallerie di kawasan Jakarta Selatan, publik seolah diajak memasuki restoran eksperimental di mana seni diperlakukan seperti hidangan kuliner yang memanjakan mata.

Di tengah ruang, sebuah meja berkain putih menampilkan toples berisi permen berperisa susu, es krim yang mulai meleleh, dan tumpukan kue keberuntungan dengan krim vanila.

Inilah inti dari pameran Food for Thought, yang berlangsung hingga 18 April 2026, menampilkan puluhan seniman Tanah Air yang mengajak publik memikirkan konsumsi sebagai medium untuk memahami seni.

Senarai karya di atas meja itu merupakan bagian dari plating atau cara makanan disajikan. Tidak ada karya dengan fokus tunggal; mata pengunjung bebas bergerak, memilih “hidangan” mereka sendiri.

Simak saja karya bertajuk Mini La Luna Party karya Jayanto Tan. Bongkahan es krim cone bertabur meses bermedium keramik yang bersanding dengan cookies ditata laiknya perayaan kecil yang intim.

Di sebelahnya terdapat instalasi Candy Crush karya Eunice Nuh Tantero yang mengurai bagaimana memori disimpan dan diwariskan. Lewat toples-toples kaca, publik diajak mengenang manisnya permen di masa kecil.

Total, pameran ini menyajikan 40 karya seni dengan berbagai medium, baik dwimatra maupun trimatra, yang dibagi ke dalam enam lapis pembabakan: Ingredients, Appetizer, Main Course, Dessert, Plating, dan Aftertaste.

Dari Bahan Mentah Hingga Hidangan Utama

Pada bagian Ingredients, publik akan bertemu dengan karya-karya yang menonjolkan materialitas, seperti lukisan dengan tekstur yang masih terasa mentah. Salah satunya Sebelum Lengkap (2025) karya Friski Jayantoro.

Karya ini menghadirkan kolase garam yodium sebagai hasil dari proses berulang. Berlatar hitam, tampak metafora retakan tanah dengan kilau putih kristal garam yang membentuk ritme visual tenang namun konsisten.

Ada pula lukisan Bawang Merah (2020) karya Michelle Sutanto. Berdimensi 70 x 50 sentimeter, karya ini menempatkan bahan dapur sebagai penanda identitas dan ingatan melalui penggambaran bawang merah yang detail.

Beranjak ke bagian Main Course, isu yang diolah menjadi lebih kompleks, mulai dari konsumsi, kelas, hingga ekonomi simbolik seni dan konstruksi nilai. Pada lapisan ini, karya tidak lagi netral, melainkan dipertanyakan melalui kritik maupun parodi.

Seniman asal Bali, I Gede Sukarya salah satunya, menghadirkan lukisan Jamuan Awal (2026) di atas kulit sapi. Melalui karya ini, dia menafsir ulang The Last Supper ke dalam konteks kebersamaan yang lebih akrab dan membumi.

Di bagian bawah adegan meja makan, Sukarya melukis ikon-ikon hewan seperti yang biasa ditemukan pada spanduk warung pecel lele. Sementara itu, para subjek tampak bercakap-cakap dalam suasana pertemuan sosial yang cair dan tanpa hierarki.

Dari segi material, penggunaan kulit sapi sebagai medium juga telah lama dikenal di Bali. Dalam tradisi setempat, material ini kerap digunakan sebagai ornamen dalam budaya visual Barong, atribut penari, hingga wayang.

“Aku menggunakan material kulit sapi ini sejak 2018. Ini terinspirasi dari tradisi Aci Bulu Geles di desaku, Bulian, Bali. Eksplorasi itu aku mulai lewat karya wayang beber berjudul Kumbakarna. Dari sinilah akhirnya berlanjut,” tuturnya.

Dapur di Balik Karya Seni

Tak ada yang benar-benar instan di dapur. Bahkan untuk sepiring hidangan sederhana, ada proses memilih bahan, mencoba, gagal, lalu memperbaiki rasa. Dalam Food for Thought, logika yang sama dipakai untuk membaca seni rupa.

Kurator Wina Luthfiyya mengatakan pameran ini menggabungkan pengalaman sehari-hari dengan praktik seni. Karya-karya yang ditampilkan juga berupaya menggeser fokus dari apa yang dilihat publik menjadi bagaimana sesuatu terjadi.

Dalam proses konsumsi, yang tersaji hanyalah hasil akhir dari kerja panjang di balik dapur. Namun proses tersebut kerap luput dari perhatian, sementara konsumen tinggal menikmati hidangan yang tersaji di meja.

“Begitu pula seni rupa. Yang terlihat adalah hasil akhir karya, bukan bagaimana dia dipilih, diolah, diuji, dan diberi nilai,” katanya.

Refleksi ini juga hadir dalam seri Food Monster Project karya Mangmoel bertajuk Nenek Mamasa (2025). Menggunakan medium akrilik di atas kanvas, seniman asal Bandung ini menghadirkan hidangan tradisional dalam bentuk jenaka dan antropomorfik.

Berbeda dengan seri sebelumnya yang hadir dalam bentuk rajutan, kali ini Mangmoel bereksperimen dengan medium lukis. Karyanya menghadirkan kesan lembut sekaligus reflektif tentang kehidupan, spiritualitas, dan relasi manusia.

“Saya memang sedang mengeksplorasi berbagai medium, mulai dari lego hingga keramik. Tahun lalu saya juga residensi di Bali untuk kemudian membuat karya di atas kanvas,” katanya.

Bisnis.com, JAKARTA - Menyambut tahun Baru Imlek 2026, Jakarta Premium Outlets berkolaborasi dengan street artist Kenji Chai menggelar pameran seni spesial yang berlangsung dari Februari hingga Maret 2026.

Inisiatif ini merupakan perpaduan terkurasi antara seni, budaya, dan gaya hidup modern yang dirancang untuk meningkatkan pengalaman berbelanja secara menyeluruh dan lebih bermakna.

Kenji Chai dikenal karena gaya khasnya yang menggabungkan unsur-unsur pop art, simbolisme budaya, dan ekspresi visual yang berani. Sebagai seniman multidisiplin, karyanya sangat relevan dengan komunitas urban masa kini yang dinamis dan ekspresif.

Untuk kolaborasi ini, Kenji Chai mempresentasikan serangkaian karya seni eksklusif yang memancarkan harapan, kemakmuran, dan semangat perayaan Tahun Kuda Api.

Pengunjung dapat menjelajahi karya seni eksklusif ini di booth pameran, memulai perjalanan kreatif yang menarik, diperkaya dengan berbagai spot foto di seluruh ruang pameran. Melengkapi kolaborasi di luar pameran, Kenji Chai juga mendesain angpao eksklusif, yang dapat ditukarkan mulai 1 Februari hingga 3 Maret 2026.

“Melalui kolaborasi kami dengan Kenji Chai, kami tidak hanya menawarkan perayaan yang meriah; kami juga menciptakan pengalaman imersif di mana seni, budaya, dan ritel bersatu dalam cara yang benar-benar menginspirasi. Inisiatif ini mencerminkan komitmen berkelanjutan Jakarta Premium Outlets dalam menyajikan pengalaman yang mendorong ekspresi diri dan memperkuat ikatan emosional kami dengan para pengunjung,” ujar Chriz Liew, Country General Manager Jakarta Premium Outlets.

Sebagai bagian dari perayaan Tahun Baru Imlek 2026, juga digelar rangkaian pengalaman meriah yang memadukan seni, budaya, serta berbagai penawaran eksklusif bagi para pengunjung sepanjang musim perayaan. Seperti pengalaman seni yang imersif melalui instalasi artistik, spot foto menarik, serta aktivitas menulis harapan, untuk merayakan Tahun Baru Imlek yang penuh makna, hingga pertunjukan & Parade Barongsai (14, 15, dan 17 Februari 2026):

Bisnis.com, JAKARTA - Geliat seni rupa Indonesia kian riuh. Setelah dihantam pageblug, ajang bursa seni kembali marak digelar di berbagai daerah. Salah satu yang mencuri perhatian adalah Art Jakarta Papers 2026 yang digelar di City Hall, Pondok Indah Mall 3, Jakarta.

Bursa seni rupa yang berfokus pada karya berbasis kertas ini menghadirkan 28 galeri dari berbagai daerah di Tanah Air, termasuk satu galeri internasional dari Malaysia. Formatnya yang spesifik memberi ruang bagi medium yang selama ini berada di pinggiran arus utama pasar.

Sejumlah galeri mencatat capaian penjualan yang cukup menggembirakan. Founder CG Artspace, Christiana Gouw, menyebut pada hari pertama partisipasinya sekitar 50 persen karya telah terjual.

Menurut Christiana, capaian tersebut terbilang positif untuk pameran yang secara khusus menampilkan karya berbasis kertas. CG Artspace mempresentasikan karya Widi Pangestu secara tunggal karena pendekatan visualnya yang dinilai unik dan kuat secara konseptual.

Berbeda dengan gelaran seperti Art Jakarta atau Art Jakarta Gardens, dia justru menyasar klien baru. “Saya tidak terlalu menawarkan ke klien lama karena karakter kolektornya berbeda. Ini lebih ke kolektor pemula,” ujarnya.

Senada, Founder Devfto Printmaking Institute, Devy Ferdianto, menilai kolektor muda menjadi motor penting bagi pasar karya berbasis kertas. Namun, menurutnya, nilai karya tetap ditentukan oleh reputasi seniman, teknik, ukuran, serta edisi, bukan semata oleh mediumnya.

Devy melihat tantangan utama karya berbasis kertas saat ini bukan lagi stigma nilai yang rendah. Persoalan justru terletak pada kekhawatiran kolektor, terutama dalam konteks Indonesia yang sebelumnya minim infrastruktur penyimpanan dan material arsip.

Karya yang dipresentasikan di booth Devfto berada pada kisaran harga Rp8 juta hingga Rp36 juta. Di antaranya seri The Book of Clown karya Goenawan Mohamad serta Duri dan Kupu Kupu karya Garis Edelweiss yang masing-masing dibanderol sekitar Rp35 juta.

Meski mencatat penjualan karya Agus Suwage, Devy mengaku tidak memasang ekspektasi terlalu tinggi. “Ketakutan kolektor lebih banyak disebabkan isu cuaca, kelembapan, dan kurangnya pemahaman soal perawatan, bukan soal kualitas artistik,” ujarnya.

Kritikus seni rupa Hendro Wiyanto menilai Art Jakarta Papers menarik karena sejak awal menantang dominasi kanvas yang selama ini dianggap sebagai standar seni rupa dua dimensi, baik oleh publik, kolektor, maupun media.

Menurut Hendro, kertas tidak pernah benar-benar menjadi arus utama dalam seni rupa Indonesia. Medium ini kerap ditempatkan pada lapisan kedua atau ketiga, dianggap murah dan rapuh, padahal secara historis dan artistik memiliki posisi penting, terutama dalam tradisi seni Asia.

Namun, dia mengingatkan bahwa antusiasme publik tidak dapat dibaca semata dari ramainya pengunjung. Tolok ukur utamanya tetap berada pada pasar. "Jika format seperti ini berlanjut dan konsisten digelar, maka di situlah pasar akan benar-benar berbicara," katanya.